¡Cómo se viene septiembre tan callando!: fechas de los exámenes de septiembre

 

**EFE/COMUNIDAD VALENCIANA** A04. Alicante, 13/09/05.- Un grupo de estudiantes realizan uno de los exámenes de la prueba de selectividad que han comenzado hoy y en la que unos 800 estudiantes valencianos esperan aprobar y conseguir una plaza en la universidad. EFE/MORELL

Desde finales de curso están disponibles en la página web del centro las fechas y horas de los exámenes de septiembre. Os recuerdo, de todas formas, las fechas de los exámenes de Lengua castellana y Literatura.

Nuestro examen se realizará el martes, 1 de septiembre de 2015, de 8,30 a 10.00, en la sala J. L. Vázquez. Hay que ser puntuales, traer más de un bolígrafo y dejar el móvil en casa (llevar el móvil encima en un examen se considera igual que llevar una chuleta y supone el suspenso inmediato del examen: no hagamos el tonto, nos jugamos mucho).

Alumnos/as que tengan suspendidas la asignatura de cursos anteriores

Si se tiene suspendida la asignatura de 2º de ESO, o si se tienen suspendidas 1º y 2º de ESO, hay que presentarse OBLIGATORIAMENTE al examen de recuperación que se realizará el mismo día 1 de septiembre de 10.00 a 11.30 en la sala J.L. Vázquez. Recordad que hay que tener aprobado 1º y 2º para aprobar 3º.

Hala, a estudiar.

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¡Felices vacaciones!

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El curso 2014-2015 ya termina. Vosotros, los alumnos, habéis acabado el día 24, los profes nos quedamos un poquito más. Este curso ha sido para mí estupendo; he disfrutado muchísimo trabajando y estudiando con vosotros. Yo seguiré por aquí (también descansaré, claro) preparando algunas cosillas para el curso que viene (ya me conocéis, siempre ando metida en miles de planes y proyectos) y haciéndoos algunas sugerencias de lectura (también podéis consultar las que hago desde el blog de la biblioteca). Os deseo a todos unas muy felices vacaciones, llenas de aventuras y lecturas. Os espero a todos en septiembre. No faltéis ni uno.

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Lejos del mundanal ruido: referencias culturales

descargaPosiblemente hayáis visto en los cines el anuncio de la película Lejos del mundanal ruido. ¿Os suena de algo el título? Espero que sí. La película es una adaptación cinematográfica de la novela de Thomas Hardy del mismo título.  Hardy tomó su título del Epodo II de Horacio, que a su vez sirvió para que Fray Luis escribiese su magnífica Oda a la vida retirada, que es la que nosotros conocemos y hemos estudiado. Por ella tuvimos noticia del tópico Beatus ille. Como veis, los tópicos literarios siguen tan vivos como siempre y nos los encontramos a diario en cualquier lugar, incluso en el cine.

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Lo que pasa por no atender en clase: ¿Segismunda o Sigismunda?

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Esta es la placa que el Ayuntamiento de Madrid  ha instalado en la tumba de Cervantes. ¿Veis algo raro? Leed la última línea: según el Ayuntamiento de Madrid la última novela de Cervantes se tituló Los trabajos de Persiles y Segismunda…  Se ve que alguien en el Ayuntamiento no atendió cuando su profesor o profesora de Literatura le explicó que la última novela de Cervantes, publicada póstumamente por su mujer, se titulaba Los trabajos de Persiles y Sigismunda, sí, con i.  Lo dicho, que hay que atender en clase.

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Los textos dialogados

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EL DIÁLOGO

  • El diálogo es una forma de comunicación en la que dos o más personas intercambian información alternándose en los papeles de emisor y de receptor.
  • Para que exista diálogo, es necesario que haya intercambio de papeles comunicativos entre los interlocutores: son los llamados turnos de palabra o
  • Los diálogos pueden ser tanto orales como escritos. Los más frecuentes son los diálogos orales que, además de las palabras, incluyen signos paralingüísticos (el tono de nuestra voz, la mayor o menor intensidad, la entonación…) y signos cinésicos (los gestos, las posturas que adoptamos, los movimientos de las manos y de la cara…).

Este es un vídeo de un programa en el que varios periodistas analizan la actualidad. Analizad su lenguaje no verbal (los signos paralingüísticos y cinéticos) de las personas que participan en el diálogo:

TIPOS DE DIÁLOGO

  • Hay dos grandes clases de diálogos:
    • Diálogos espontáneos (no están preparados de antemano): en este grupo destaca fundamentalmente la conversación. La conversación es un diálogo improvisado, libre, de carácter amistoso (si no, pasa a ser una discusión o una disputa) y con finalidad afectiva. Es nuestra principal forma de comunicarnos.
    • Diálogos organizados:
      • Debate: un grupo de personas discute sobre un tema fijado de antemano, con la finalidad de acordar una decisión mayoritaria. Está presidida por un moderador, que se encarga de que se respete el orden y la duración de los turnos de palabra. Cuando el grupo es muy grande (por ejemplo, en los debates parlamentarios), habla un ponente o portavoz que expone y defiende la postura de su grupo.
      • Mesa redonda: los participantes, un número reducido de personas versadas en el tema, contrastan sus opiniones sobre un determinado asunto. También está dirigida por un moderador que propone los temas y cede la palabra a cada uno de los participantes.
      • Tertulia: se trata de una charla más espontánea y de tema menos planificado que las anteriores. Los turnos de palabra son menos estrictos y los participantes tienen mayor libertad en sus intervenciones.
      • Entrevista: es un diálogo formal que tiene como finalidad conseguir alguna información de alguno de los interlocutores. Hay diversos tipos: de trabajo, periodísticas, ruedas de prensa…

Ved el siguiente vídeo y clasificadlo como entrevista, debate, mesa redonda o tertulia. Ya sabéis: hay que justificar la respuesta:

EL DIÁLOGO EN LOS RELATOS

  • En los relatos el narrador cuenta no solo lo que hacen los personajes, sino también lo que se dicen los unos a los otros. O lo que es lo mismo, transcribe sus diálogos.
  • El narrador inserta en su propio discurso (es decir, cita) las palabras que los personajes dicen o piensan. Hay diferentes formas de citar:
    • Diálogo en estilo directo: consiste en insertar las palabras de los personajes literalmente, tal como las dijeron o las pensaron. El discurso citado se distingue del discurso del narrador por el cambio de línea y por la raya que inicia la cita. Aparece también un verbo de dicción (o dicenci) que introduce el discurso de los personajes. Ejemplo:

Amigo don Lope — dijo el doctor Miquis poniendo sus manos sobre los hombros del caballero— hemos llegado a lo que me temía. Tristanita está muy grave. A un hombre como usted, valiente, y de espíritu sereno, se le debe hablar con claridad.

—Sí—murmuró el caballero, haciéndose el valiente.

Otra forma de insertar la cita en estilo directo es emplear comillas para marcarla y diferenciarla del discurso del narrador:

No sé cómo se las arreglaba para entrar en todos los lados sin que nadie le viese. Cuando alguien le descubría en su rincón y le preguntaba sorprendiéndose: “¡Ah! Pero ¿estabas ahí?”, contestaba invariablemente: “Hace dos horas”.

  • Diálogo en estilo indirecto: el narrador no cita textualmente las palabras del personaje, sino que las ‘cuenta’ desde su punto de vista. Ejemplo:

El doctor Miquis, poniendo sus dos manos sobre los hombros del cabalero, que parecía más muerto que vivo, le dijo que habían llegado a lo que él se temía, que Tristana estaba muy grave y que a un hombre como don Lope, valiente y de espíritu sereno, se le debía hablar con claridad.

  • Diálogo resumido: si al narrador no le interesan las palabras concretas del personaje, sino solamente el sentido de lo que dijo, puede abreviar el diálogo haciendo un resumen de él:

Miquis se encerró con don Lope en el cuarto de este y, con la solemnidad propia del caso, pero procurando expresarse con total claridad, le explicó la gravedad de la enfermedad de Tristana y la necesidad de operarla inmediatamente.

EL DIÁLOGO EN EL TEATRO

  • En el teatro el diálogo entre personajes adquiere su máximo desarrollo y se convierte en la sustancia misma de la obra.
  • En el teatro, la ausencia de narrador hace que las acciones, los conflictos, los sentimientos y las ideas se trasmitan mediante los diálogos que los personajes mantienen. Hay que diferenciar dos tipos de discurso en los textos teatrales:
    • Discurso dramático:
      • Constituido por las palabras de los personajes que los actores se encargan de pronunciar en escena. Estas palabras suelen adoptar tres clases de discurso:
        • Diálogo: es lo más frecuente.
        • Monólogo: un personaje habla solo. Si expresa en voz alta sus pensamientos, se llama soliloquio. El monólogo nos permite conocer lo que siente o piensa un personaje.
        • Aparte: un comentario que un personaje pronuncia en voz alta y que, supuestamente, otros personajes que están en escena no pueden oír, pero el público sí.
      • Acotaciones:
        • Son las indicaciones que el autor hace al director de la obra y a los actores sobre cómo ha de ser la representación (la puesta en escena). En ellas, el autor explica cómo es el escenario y qué cosas debe haber en él, cómo son los personajes, qué acciones, qué movimientos y qué gestos realizan, con qué entonación pronuncian las palabras. Todo es significativo, importante para la comprensión de la obra, y el autor ha de indicarlo en el texto, separado del diálogo y generalmente entre paréntesis y en cursiva.

Lo hemos leído en clase, pero a lo mejor os apetece escuchar uno de los más famosos monólogos teatrales de la historia del teatro: el monólogo de Hamlet,  interpretado esta vez por Kenneth Branagh:

ACTIVIDADES INTERACTIVAS

Puedes repasar la teoría y hacer algunos ejercicios con estos materiales o con estos otros ejercicios. [roble.pntic.mec]

Muy completo es este repaso de la teoría realizado por el Proyecto Cíceros.

El diálogo y la conversación. Ortografía del diálogo. Se trata de un ejercicio interactivo donde hay que arrastrar los signos de puntuación correspondientes a los espacios que se ofrecen. Todo esto para completar, de forma correcta, un diálogo.

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El diálogo. Puedes repasar la teoría y hacer los ejercicios.

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El diálogo en la narración. Puedes trabajar con estas actividades preparadas por el IES Bárbara de Braganza:

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En esta otra actividad puedes repasar el diálogo teatral:

Diálogo en el teatro

Con la actividad Detective de historias se puede trabajar el diálogo de una forma divertida:

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Con esta actividad de Alquimistas de la palabra puedes practicar completando diálogos:

Diálogo

O bien creando diálogos entre objetos:

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Puedes trabajar la entrevista con este material de educarchile:

Entrevista

Repasa los tipos de textos con este test:

tipos de texto

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El teatro del siglo XVIII

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En el siglo XVIII se continuó la gran afición al teatro, pues el vigor del teatro barroco era tan fuerte que perduró a lo largo de la primera mitad de siglo con obras de autores que continuaban las fórmulas de Lope y Calderón en temas y argumentos. Era el teatro que interesaba al público, acostumbrado a la espectacularidad barroca. Pero queda solo la imitación conservadora de temas y formas, sin novedad alguna como en No hay deuda que no se pague y el convidado de piedra, sobre el tema el don Juan, de Antonio Zamora (1660-1728).

Se escriben comedias de figurón, un personaje cómicamente ridiculizado, y comedias de magia, muy populares, por los efectos sorprendentes, pese a las duras críticas de los intelectuales ilustrados, reformistas y racionalistas. Poco a poco, los intelectuales reformistas, encabezados por la Poética de Luzán que aplica el Art Poétique de Nicolás Boileau, y seguidos por una serie de importantes dramaturgos que defienden la estética neoclásica, lograrán imponer el nuevo teatro.

De entre los ilustrados, Leandro Fernández de Moratín critica que en el teatro tradicional los censores puedan incluso situarse sobre el escenario o lo absurdo de las comedias de santos y de magia. Gaspar Melchor de Jovellanos considera el teatro como el género más idóneo para instruir al pueblo, por los virtuosos modelos que puede ofrecer, por la recepción masiva de la obra en el teatro, y por la inmediatez de la recepción por los espectadores. En 1765 la polémica lleva a la prohibición de los Autos Sacramentales tanto por el reformismo como por los escándalos de las representaciones pues la mala fama de los actores no cuadraba con la espiritualidad del tema, y eran constantes los desórdenes de los espectadores, que solían asistir de pie, por lo que Jovellanos pide que mejoren las condiciones para que puedan sentarse con la transformación de los corrales de comedias en teatros.

El teatro neoclásico

Los intelectuales y el Gobierno consideran al teatro neoclásico una diversión popular provechosa, pedagógica, con contenido moral y ético, imprescindible para salir del atraso social y cultural. Opinan que el teatro necesita la aplicación de los preceptos clásicos, de modo que, a raíz de la publicación de la Poética de Luzán en 1736, los dramaturgos españoles inician el camino de la imitación de los modelos franceses como Racine, Corneille y Molière. Toda obra teatral debía estar  basada en los preceptos clásicos, con una vuelta a la regla de las tres unidades, como refuerzo de la verosimilitud y la lógica:

  • La verosimilitud de las acciones.
  • La aplicación de la regla de las tres unidades:
    • Acción: el texto dramático desarrolla una acción única.
    • Lugar: se utiliza un solo espacio que evite la proliferación de lugares.
    • Tiempo: el tiempo de la ficción no debe exceder las veinticuatro horas.
  • El enfoque didáctico-moral.

Esa valoración facilita la conversión de los corrales de comedias en teatros a la italiana, cubiertos, con escenario de tres paredes y telón, y una platea con sillas para los espectadores. En Madrid, en el antiguo Corral de la Pacheca se construyó en 1745 el Teatro del Príncipe, el actual Teatro Español. El más nuevo, el teatro de los Caños del Peral, ponía en escena óperas italianas, que arrastraron consigo a un público más selecto. También influyó la reconstrucción del teatro de la Cruz.

La tragedia neoclásica

Respaldado por el conde de Aranda, que quería sentar las bases de un teatro neoclásico español capaz de transmitir sus planteamientos políticos ilustrados, Luzán considera que el objetivo de la tragedia consiste en el escarmiento de los reyes y de los personajes principales, e induce a sus amigos escritores a escribir tragedias ejemplarizantes, basadas en temas de la historia española, que divulguen la ideología liberal. Se escribieron entonces tragedias a imitación de Pierre Corneille, en versos endecasílabos, y que cumplían estrictamente las reglas neoclásicas, pero el resultado fue frío, sin viveza ni fuerza en la expresión.

Unknown-5Nicolás Fernández de Moratín (1731-1780) fue uno de los escritores más comprometido en este empeño. Sus tragedias Lucrecia, Hormesinda y Guzmán el Bueno sirven a este propósito. No obstante, pese a actuar como protagonista la actriz más apreciada por el público madrileño, Mª Ignacia Ibáñez, no tuvieron éxito. Tampoco fue muy celebrada su comedia La petimetra; sin embargo, sus quintillas y romances, inspirados en la más viva tradición española (Fiesta de toros en Madrid) disfrutaron de mayor popularidad por su fuerza y colorido.

Vicente García de la Huerta (1734-1787) escribió una obra de mérito siguiendo la normativa clásica. Se trata de Raquel (1778), tragedia en endecasílabos heroicos, a partir de un tema tradicional: la leyenda toledana protagonizada por una judía, Raquel, amante del rey Alfonso VIII. La fuerza dramática, el lenguaje y la reducción a tres de los cinco actos clásicos hacen pensar en el teatro barroco español y esboza el nuevo teatro romántico.

La comedia neoclásica

Responde a la preocupación por el cumplimiento de la preceptiva neoclásica. Durante este siglo se escriben comedias de considerable calidad y finura, aunque nunca supusieron un movimiento asentado.

De acuerdo con las leyes del decoro poético, solo saca a escena personajes comunes: los burgueses y sus personajes comunes: los burgueses y sus criados. Dado su carácter didáctico, critica los vicios y debilidades de la sociedad, tratando de mostrar la vía de la razón y del sentido común.

Leandro Fernández de Moratín hace la siguiente definición de la comedia:

Imitación en diálogo (escrito en prosa o verso), de un suceso ocurrido en un lugar y en pocas horas, entre personas particulares, por medio del cual, y de la oportuna expresión de afectos y caracteres, resultan puestos en ridículo los vicios y errores comunes en la sociedad y recomendados, por consiguiente, la verdad y la virtud. 

La comedia neoclásica tenía las siguientes características:

  • Lenguaje natural.
  • Intención didáctica.
  • Verosimilitud.
  • Unidad de lugar, tiempo y acción.
  • Uso de la prosa o verso breve.
  • Estudio profundo del carácter de los personajes.
  • La acción dramática pasa  a un segundo plano, frente al diálogo.
  • Escenografía sencilla.

Leandro Fernández de Moratín

Retrato de Leandro Fernández de Moratín de Francisco de Goya (artehistoria.jcyl.es)

Hijo del también escritor Nicolás Fernández de Moratín, Leandro Fernández de Moratín nació en Madrid en 1760. Fue secretario de la Interpretación de Lenguas y director de la Junta de Reforma de los teatros. Durante la guerra de la Independencia se hizo afrancesado y apoyó la monarquía de José Bonaparte. Expulsado por los absolutistas, se trasladó a Barcelona y de ahí a Montpellier, París y Bolonia. Con la llegada del Trienio liberal regresó a Barcelona, pero un año después, huyendo de una epidemia, pasa a Bayona, Burdeos y de nuevo París, donde muere en junio de 1828.

Aunque cultivó diversos géneros, la indiscutible autoridad de Moratín se manifiesta en la comedia, donde supo aunar la estricta ideología neoclásica con el éxito popular. Para él, la comedia debe perseguir por encima de todo una finalidad didáctica y ha de ridiculizar los comportamientos que nacen de la barbarie, la ignorancia y las malas costumbres. Su comedia, de carácter urbano, tiene una dimensión crítica e intelectual, y el deseo decidido de reformar determinadas costumbres españolas. La verdad y la virtud presiden sus obras, escritas en prosa y con una clara intención moral. Su modelo constante fue Molière, a quien tradujo; y, como él, admira la autenticidad en el ser humano, por lo que en su obra es frecuente la denuncia de la hipocresía burguesa.  Su producción dramática se limita a cinco comedias: Moratín condena los matrimonios concertados por conveniencia en El viejo y la niña, El barón, El sí de las niñas; los efectos negativos que una educación represiva produce en los jóvenes  en La mojigata o arremete contra la mediocridad literaria del momento La comedia nueva o el café.

100pies.net

El sí de las niñas es la obra maestra de Moratín. Respeta todas las normas del teatro neoclásico: la regla de las tres unidades, la verosimilitud y la finalidad didáctica. Moratín critica los matrimonios concertados en los que una joven se desposa con un hombre mucho mayor que ella por decisión de sus padres y defiende el derecho de las mujeres a escoger libremente la persona con la que quieren casarse. En la obra presenta una pareja de jóvenes enamorados, don Carlos y doña Paquita, obligados a ocultar su amor, porque doña Irene, la madre de doña Paquita, ha prometido a su hija en matrimonio a don Diego, un honorable y rico caballero de su propia edad, que resolvería con la boda los problemas económicos de doña Irene. Don Diego descubre por una carta amorosa el amor de los dos jóvenes y cambia su papel de pretendiente por el padrino de la boda, no sin dejar de advertir al auditorio sobre los perjuicios que causan en los jóvenes una equivocada educación.

Interesante, ¿no? Vosotros también podéis elegir libremente entre leer la obra o ver la representación. Para aquellos que deseen leer la obra sólo tienen que hacer clic en la portada del libro:

es.wikipedia.org

Y aquellos de vosotros que prefiráis ver la obra representada, sólo tenéis que darle al play en el siguiente video:

PARA LOS QUE QUIERAN SABER MÁS…

Como siempre, la Biblioteca Virtual Cervantes nos ofrece un buen material sobre la vida, la obra, así como estudios, audios, imágenes, etc. Completísimo.

La prosa de Moratín es una de las más claras y elegantes del siglo XVIII, podéis comprobarlo leyendo este fragmento y realizando las actividades de comprensión lectora.

Un crucigrama sobre Fernández de Moratín.

Leandro Fernández de Moratín, además de al teatro, se dedicó también a la poesía. Podéis escuchar dos de sus poemas:  la epístola El filosofastro y el soneto La despedida.

Drama sentimental o comedia lacrimosa. 

Procede de Francia. El autor pretende provocar en el espectador sentimientos de ternura y compasión. La pieza más significativa fue El delincuente honrado (1774) escrito por Jovellanos. La obra combina su adaptación a las reglas clásicas con la exaltación de los sentimientos característicos del prerromanticismo. El argumento es el siguiente: Torcuato, el protagonista, se confiesa culpable de haber matado en duelo a un hombre (sin haberlo hecho) para salvar a un amigo suyo injustamente acusado. Condenado a muerte por su padre, que ignora que está juzgando a su propio hijo, se salva en el último momento por un indulto del rey. Además del contenido filosófico, Jovellanos envuelve la obra en una sensibilidad emotiva de corte rousseauniano, filantrópico y sentimental, que permite considerarla como la primera obra dramática romántica de la escena española.

El teatro tradicional

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En la polémica que recorre el siglo entre los partidarios del teatro tradicional y los defensores del neoclásico, las formas populares irrumpen como respuesta nacional frente a la imposición del teatro francés. A través de diversos géneros como el sainete, el nuevo género de la zarzuela o la tonadilla como intermedio musical se representa la vida nacional española en sus costumbres y sus rasgos más pintorescos.

El sainete hereda la tradición de los pasos de Lope de Rueda, los entremeses de Cervantes y las obras cortas de Luis Quiñones de Benavente. Es una pieza cómica y popular, en un solo acto. Su verdadera importancia está en que se convirtió en vehículo de transmisión del realismo social de la España de su tiempo.

En esta línea  de teatro nacional sobresalió Ramón de la Cruz, a quien la crítica convirtió en defensor de la vida popular española frente al afrancesamiento neoclásico. Su gusto por lo popular y lo castizo pronto llevó al autor madrileño a cultivar el sainete. Sus sainetes son cuatrocientas piezas breves que retratan el Madrid castizo de la época, como Las castañeras picadas, La pradera de San Isidro, El fandango del candil, Manolo, El Muñuelo. Constituyen todos ellos valiosos cuadros de costumbres, verdaderos documentos de época, escritos generalmente en verso corto: romances, seguidillas, letrillas u otras formas populares. Fue un autor muy popular, a pesar de las críticas de los ilustrados, como los de Moratín (padre e hijo), que le reprochaban sus excesos caricaturescos; pero eran caricaturas críticas con una enseñanza moral, según los preceptos neoclásicos.

Podéis ver este vídeo que presenta unos sainetes de Ramón de la Cruz estrenados por la Companía Nacional de Teatro Clásico en 2011:

PARA LOS QUE QUIERAN SABER MÁS…

La Biblioteca Virtual Cervantes nos ofrece una página sobre Ramón de la Cruz. Estupenda, como siempre.

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[Fuentes: BLECUA, José Manuel [et al.] (2008), Lengua castellana y Literatura 1º, Madrid: Editorial SM; FERNÁNDEZ  SANTOS, Alonso [et al.] (1992), Literatura 2º, Barcelona: Magisterio Casals; ARROYO CANTÓN, Carlos [et al.] (2006), Lengua castellana y Literatura 1º de Bachillerato, Madrid: Oxford; GARCÍA MADRAZO, Pilar [et al.], (2008) Lengua castellana y literatura 1º de Bachillerato, Zaragoza: Edelvives. Proyecto Zoom;  MELÉNDEZ, Isabel [et al.], (1996) Lengua y literatura castellana 4º ESO, Madrid: ESLA; PASCUAL, José A. [et al.](2008) Lengua y literatura 1º Bachillerato, Madrid: Santillana; ESCRIBANO, Elena [et al.](2008), Lengua castellana y Literatura 1º Bachillerato, VALENCIA: ECIR; MARTÍ, S. [et al.] (2002), Lengua castellana y Literatura 1º Bachillerato, Barcelona: Teide.]
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La poesía del siglo XVIII

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Durante los primeros años del siglo XVIII los autores continuaron imitando la poesía barroca, sin embargo, ya a mediados del siglo XVIII, aparecen voces nuevas que intentan cambiar este estado de cosas; son los jóvenes escritores que se reúnen para hablar de literatura en fondas y cafés, como en la famosa tertulia de la Fonda de San Sebastián en Madrid.

La Poética de Luzán

En este cambió influyo decisivamente la Poética (1737) de Ignacio Luzán, una preceptiva que resume las ideas estéticas neoclásicas, inspirada por las doctrinas de Aristóteles, Muratori y Boileau. Este tratado supuso el enorme esfuerzo por introducir en España las nuevas reglas neoclásicas por las que, según los ilustrados, debía discurrir toda obra literaria.

HIJ19911Ignacio Luzán (1702-1754) nació en Zaragoza. Tuvo que huir a Barcelona y a Mallorca, y finalmente a Italia, por defender su familia los intereses de los Austrias frente a los Borbones. En Italia, recibió una educación ilustrada, se graduó en Derecho y tuvo ocasión de estudiar a fondo la teoría literaria. En 1733 regresó a España, donde publicó su Poética, pero su vida cambió radicalmente en los tres años que trabajó en la embajada española de París, como secretario del duque de Alba. A partir de esta experiencia, Luzán no solo decide restaurar el buen gusto y el clasicismo en las letras españolas, sino, en una acción más amplia, difundir el pensamiento político de la Ilustración europea (empirismo inglés, Montesquieu, Voltaire…) que defiende la creación para el individuo de un espacio de libertad salvaguardada por las leyes. En 1750, se instala en Madrid y se integra en la Academia de Buen Gusto, donde se reúnen escritores y se difunde la mentalidad ilustrada. En sus Memorias literarias de París (1751) presenta Parías como “el centro de las ciencias y las artes, de las bellas letras, de la delicadeza y del buen gusto”, que a él le gustaría que se cultivasen en España. Y refiere que las mujeres de París suelen estudiar Geografía, Historia, Filosofía y Matemáticas.

La escuela poética madrileña

Plaza Angel, calle San Sebastian (6)En el reinado de Carlos III adquiere gran relevancia en Madrid, la “Tertulia de la Fonda de San Sebastián”, situada en la plazuela madrileña del Ángel, propiedad del italiano Juan Antonio Guppini, que les alquiló una habitación como sede a un grupo de intelectuales que se reunían en torno a Nicolás Fernández de Moratín (Cadalso, Iriarte y Moratín eran los poetas) y tenían “como único estatuto” no hablar más que “de teatro, de toros, de amores y de versos”. Allí se gestó el cultivo de la anacreóntica.

La anacreóntica se llamó así en honor del poeta Anacreonte (siglo IV a.C). Es un poema escrito en versos cortos con un estilo tan sencillo que a veces se ha tildado de prosaico. El amor, la amistad y el vino, disfrutados en un ambiente idílico y pastoril, son los temas preferidos por la anacreóntica.

También se generalizó en esta escuela el cultivo de la fábula. Como recordareis, las fábulas son pequeños relatos escritos en verso, protagonizados por animales que simbolizan las virtudes y defectos de los seres humanos. El distanciamiento que se obtiene utilizando animales en lugar de personas, y poniendo en sus bocas y hechos los errores más comunes de los humanos favorecía la crítica de los vicios y defectos de la sociedad.

Estos relatos de estructura narrativa se escribían en verso para ayudar a la memorización y  a la rápida difusión, y tenían la estructura del cuento para cumplir la premisa básica de la educación de los más jóvenes: enseñar deleitando.

En la parte narrativa del poema se cuenta una historia ejemplarizante, y a continuación aparece una parte reflexiva donde se explica la moraleja. El lenguaje poético utilizado es muy sencillo con recursos como la ironía y la sentencia. En el mundo que se nos representa en las fábulas es más eficaz la astucia que la fuerza y y la inteligencia es considerada más valiosa que la riqueza.

Los fabulistas: Iriarte y Samaniego

Los poetas que mejores fábulas de animales escribieron fueron Tomás de Iriarte y Félix María de Samaniego que escribieron sus obras a imitación de las fábulas de animales de la antigüedad clásica (Esopo y Fedro) o de los modernos autores franceses: La Fontaine.

Podéis leer aquí un ejemplo de una fábula de Iriarte: El burro flautista

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Los epigramas

Es otro de los tipos de poesía frecuente en la poesía de la época.  Tiene también su origen en la literatura clásica grecorromana que ya entonces mostraba con el poeta Marcial su carácter ingenioso y satírico, notas estas que se mantienen en el siglo XVIII.

Veamos un famosísimo epigrama de Nicolás Fernández de Moratín que tiene como título un sueño que todos vosotros habéis acariciado alguna vez: Saber sin estudiar

Admirose un portugués de ver que en su tierna infancia todos los niños en Francia supiesen hablar francés. “Arte diabólica es”, dijo, torciendo el mostacho, “que para hablar en gabacho, un fidalgo en Portugal llega a viejo, y lo habla mal; y aquí lo parla un muchacho”.

El mundo está lleno de sorpresas, y la poesía del XVIII no podía ser menos, podéis oír aquí una versión de este epigrama cantada ni más ni menos que por la gran Niña Pastori. Ahí va: http://www.youtube.com/watch?v=Ij23r4K-zrY

Cadalso, poeta

Conocíamos ya su faceta como prosista, pero Cadalso también escribió poesía. En 1773 publica Ocios de mi juventud, un libro de versos, con el que haciéndose eco de algunas de las tendencias estéticas del siglo, hace revivir la anacreóntica, cultivada también por otros poetas de la segunda mitad del siglo, sobre todo, como veremos, por Meléndez Valdés. Y no es un poeta importante por haber cultivado casi todos los géneros poéticos (lírico, narrativo, satírico, didáctico e incluso burlesco), sino por la función de enlace que desempeña entre la poesía del Siglo de Oro y la del siglo XVIII, y por ser un delicadísimo poeta, como podemos apreciar en estos versos dedicados al “divino” Moratín:

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En los siguientes versos vemos cómo los poemas de Quevedo, especialmente los metafísicos y morales, siguieron influenciando a los jóvenes poetas del XVIII:

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La escuela salmantina

En torno a la ciudad de Salamanca se reúne un grupo importante de poetas ilustrados que, encabezados por el extremeño Juan Meléndez Valdés, buscan las fuentes poéticas de fray Luis de León y Garcilaso. Sin embargo, la nueva poesía introduce algunas novedades: el bucolismo clásico se transformó en sensualidad evidente, propia de tiempos más modernos, y la naturaleza pasará a ser cómplice y guía de lo sentimientos eróticos y gozosos de los protagonistas del poema. Los poetas de esta escuela tomarán nombres pastoriles para sus poemas; así “Jovino” será el nombre poético de Jovellanos; “Batilo”, el de Menéndez Valdés; fray Diego Tadeo González se hará llamar “el sabio Delio”; Cadalso (que ejerce gran influencia sobre el grupo, aunque inicialmente no pertenece a él), se llamará “Dalmiro” y el padre Fernández, “Liseno”.

Esta poesía, que algunos ha llamado rococó, busca colores delicados y ambientes refinados para expresar una nueva sensibilidad y un nuevo concepto de vida propio de las cortes galantes, irónicas y despreocupadas del XVIII en toda Europa, y su anhelo de elegancia. Es sencilla y natural y canta los placeres de la vida: la amistad, el amor, la primavera y la naturaleza.

Juan Meléndez Valdés (1745-1817)

Juan Meléndez Valdés, Francisco de Goya (es.wikipedia.org)

Nació en 1754, de carácter extremadamente sensible, escribe una lírica delicada y levemente melancólica. La amistad de Cadalso y Jovellanos le influyen profundamente. Cadalso es un europeísta cultivado y curioso, que orienta al joven poeta por las tendencias de la literatura castellana y europea. Con Jovellanos, Meléndez Valdés mantiene una relación epistolar, en la que el magistrado y político ejerce su magisterio sobre el estudiante de leyes salmantino, actuando como amigo y protector. Expatriado por su colaboración con los franceses (acusación común a muchos ilustrados de este siglo), Meléndez Valdés muere en Montpellier (1817), después de cuatro años de destierro en varias ciudades de Francia.

Meléndez Valdés es el poeta más destacado del siglo XVIII. Escribió varios géneros, pero sobre todo son famosas sus Anacreónticas, una poesía sensual, epicúrea, cuyos temas giran en torno  a la alegoría del amor envuelta en una escenografía clave: arroyos, grutas, bosques, aves como el ruiseñor y la paloma y algunos elementos mitológicos. Meléndez Valdrés fue, tal vez, el mejor poeta de su tiempo escribiendo anacreónticas, y el más atrevido cuando escribe poemas eróticos.

En sus poemas Meléndez Valdés no solo se inspiraba en Anacreonte, Teócrito, Horacio y otros poetas amantes de la naturaleza, sino también en las ideas filantrópicas enciclopedistas y rousseaunianas, incluido su odio al fanatismo y su amor a todos los hombres. Meléndez Valdés canta en sonetos, letrillas y romances al amor y a la naturaleza, que le inspiran sus mejores obras: La flor del Zurguén, Rosana en los fuegos, La Paloma de Filis. Entre sus odas destacan A una fuente, en la que expresa su amor por la naturaleza; Filis o De la Primavera. En la poesía de la naturaleza nos ofrece imágenes sentimentales conmovedoras, como la siguiente del Romance III:

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Más tarde, por influencia de Jovellanos, trata temas filosóficos de carácter moral y social, es el caso de su epístola: El filósofo en el campo o a un ministro sobre la beneficencia, obra comprometida con los ideales de la Ilustración, escrita en endecasílabos blancos (sin rima), lo que daba al poeta una gran libertad de expresión. Aquí tenéis un interesante fragmento de esta obra, muy adecuado entonces y ahora:

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PARA LOS QUE QUIERAN SABER MÁS…

Como siempre, la Biblioteca Virtual Cervantes nos ofrece una excelente página con fiable información de su vida y su obra:

¿Os habéis quedado intrigados/as cuando hemos hablado en clase de las Anacreónticas?  Leamos una oda anacreóntica de Meléndez Valdés titulada El amor mariposa:

 

Viendo el amor un día que mil bellas zagalas huían de él medrosas por mirarle con armas, dicen que, de picado, les juró la venganza, y una burla les hizo, como suya, extremada. Tornose en mariposa, los bracitos en alas, y los pies ternezuelosmariposa118 en patitas doradas. ¡Oh! ¡qué bien que parece! ¡Oh! ¡qué suelto que vaga, y ante el sol hace alarde de su púrpura y nácar! Ya en el valle se pierde, ya en una flor se para, ya otra besa festivo, y otra ronda y halaga. Las zagalas, al verle, por sus vuelos y gracia mariposa le juzgan, y en seguirle no tardan. Una a cogerle llega y él la burla y se escapa; otra en pos va corriendo, y otra simple le llama, despertando el bullicio de tan loca algazara en sus pechos incautos la ternura más grata. Ya que juntas las mira dando alegres risadas súbito Amor se muestra y a todas las abrasa. Mas las alas ligeras en los hombros por gala se guardó el fementido, y así a todos alcanza. También de mariposa le quedó la inconstancia: llega, hiere, y de un pecho a herir otro se pasa.

¿Os apetece leer más obras de este autor? Pinchad aquí, están todas.

Jovellanos, poeta

Jovellanos, el estadista ilustrado, también escribe, como muchos de sus contemporáneos, poemas de corte anacreóntico, además de Sátiras y Epístolas, de tema trascendente y estilo elevado y vehemente. Jovellanos en su Sátira a Arnesto va a criticar el despilfarro y el insaciable deseo de lujos de la nobleza:

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Cerca ya del final de siglo, su lírica se llena de emoción y subjetivismo románticos, como la famosa Epístola de Fabio a Anfriso:

Con paso vacilante voy cruzando los pavorosos tránsitos y llego por fin a mi morada, donde ni hallo el ansiado reposo ni recobran la suspirada calma mis sentidos...

La poesía prerromántica

En los últimos años del siglo, los poetas manifiestan un cierto cansancio por la rigidez de las “reglas” y la normativa neoclásica, así que basándose en los principios de la misma Ilustración —sobre todo las ideas de Rousseau, que defendían la libertad y la primacía de la conciencia individual sobre la razón—, empiezan a escribir unos poemas que hablan de la melancolía y la angustia y reflejan una nueva visión del paisaje, que aparece abrupto, áspero y nocturno. La nueva poesía prerromántica sigue sobre todo a los alemanes Schiller (Himno a la alegría), Goethe (Elegías romanas) y Herder (Canciones populares).

Esta tendencia también está presente en las composiciones de Cadalso. A partir de su experiencia personal (un apasionado romance con la actriz Mª Ignacia Ibáñez), y la temprana muerte de su amada (recordad que intentó desenterrarla y fue, por ello, desterrado), Cadalso escribe en prosa Noches lúgubres, obra inspirada en las Noches, del inglés Edward Young. Por su tono triste y tétrico, el poeta llega a comentar que, de atreverse a publicarla, lo haría “en papel negro con letras amarillas.”

Escuela salmantina de fin de siglo

Un conjunto de poetas separados por edad e ideología de Meléndez Valdés y su grupo son los siguientes:

Manuel José Quintana

Manuel_José_QuintanaLa figura más importante del grupo salmantino es el madrileño Manuel José Quintana (1772-1857), discípulo literario de Meléndez Valdés y defensor de la ideología liberal. Convencido de que la decadencia de España proviene de la derrota de los comuneros de Villalar, que abrió la puerta al despotismo de los Austrias y Borbones, que no respetaron los fueros de las villas y ciudades, canta a la libertad en A Padilla, exaltando al héroe comunero, o a los progresos de la ciencia, en su oda A la invención de la imprenta. Sus versos, llenos de patriotismo, energía y sonoridad, tienen su reflejo en la oda A España, después de la revolución de marzo:

¡Salud, oh padres de la patria mía, yo les diré, salud! La heroica España de entre el estrago universal y horrores levanta la cabeza ensangrentada y, vencedora de su mal destino, vuelve a dar a la tierra amedrentada su cetro de oro y su blasón divino.

Nicaso Álvarez Cienfuegos

goya088aSu poesía absorbe con gran rapidez los temas que definen el prerromanticismo: lo sentimental que se refleja en Mi paseo solitario en primavera y lo exótico, en sus canciones moriscas y los temas funerarios como en La escuela del sepulcro.

Escuela sevillana

Unknown-4En Sevilla, un grupo de sacerdotes poetas se reúne con el nombre de Academia de las Letras Humanas.  Aceptan los principios del Neoclasicismo, pero pretenden encontrar espacios de libertad para su poesía, resucitando la tradición poética sevillana de autores renacentistas como Fernando de Herrera y Francisco de Rioja. Escriben composiciones propias a las de la escuela salmantina en inspiración y temas, pero con un lenguaje más brillante y retórico.

Destaca José María Blanco White, quien tuvo una vida muy poco convencional, casi romántica: dejó el convento, se hizo masón y se exilió a Inglaterra. Allí adoptó la religión anglicana y escribió en inglés . En sus Letters from Spain, en los Caprichos de Goya y el Epistolario de Moratín vemos el mejor retrato de la España de Carlos IV. En poesía destaca su composición Una tarde nocturna en alta mar, que introduce de lleno al autor en el prerromanticismo:

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[Fuentes: FERNÁNDEZ  SANTOS, Alonso [et al.] (1992), Literatura 2º, Barcelona: Magisterio Casals; ARROYO CANTÓN, Carlos [et al.] (2006), Lengua castellana y Literatura 1º de Bachillerato, Madrid: Oxford; GARCÍA MADRAZO, Pilar [et al.], (2008) Lengua castellana y literatura 1º de Bachillerato, Zaragoza: Edelvives. Proyecto Zoom;  MELÉNDEZ, Isabel [et al.], (1996) Lengua y literatura castellana 4º ESO,Madrid: ESLA; PASCUAL, José A. [et al.](2008) Lengua y literatura 1º Bachillerato, Madrid: Santillana.]
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