Es de Lope… el teatro barroco

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La expresión “Es de Lope” se generalizó durante el siglo XVII para indicar que algo era excelente, extraordinario.

De entre todos los géneros literarios, el que mayor renovación y producción ofreció en el siglo XVII fue el teatro. La renovación y consolidación de la fórmula teatral, que adoptó el nombre de comedia nueva para distinguirse de la obra teatral clásica, fue realizada por Lope de Vega (1562-1635). Aprovechó para ello los elementos medievales, renacentistas e italianos presentes en Juan del Encina, Torres Naharro, GilVicente, Juan de la Cueva y Lope de Rueda.

Os propongo una serie de actividades para trabajar el teatro barroco:

1) Actividades interactivas sobre el teatro barroco, centrados en la obra de Lope, Calderón y Tirso de Molina.

Teatro barroco (I)

2) Actividades interactivas sobre Lope de Vega

3) Actividades interactivas sobre la Comedia Nueva.

4)Repaso de la teoría sobre la Comedia Nueva.

EL TEATRO DE LOPE DE VEGA

images-1El teatro de Lope de Vega es síntesis de las tradiciones culta y popular anteriores. Ofrece un teatro basado en la retórica de la persuasión, en la comunicación con el público. Lope perseguía el éxito y sabía cómo lograrlo.

Lope pasó varios años en Valencia, en contacto con Guillén de Castro, Tárrega y otros, con un ambiente teatral innovador. Desde la primera mitad del siglo XVI debió de haber un teatro estable, próximo a la Universidad, en la plazoleta de la Olivera. Se realizaban funciones nocturnas, con velas, por lo que resultaban caras y se suprimieron hacia 1630. Se representa un teatro populista en el que importa mucho la intriga, las costumbres populares, la utilización del simple o gracioso, y con un lenguaje próximo a la lengua común. Lope no tiene más que adoptar y evolucionar lo que se está haciendo en Valencia.

La principal y gran aportación de Lope de Vega a la escena de la época consiste en la creación de un teatro nacional, esto es, en el hallazgo de una nueva expresión dramática capaz de interesar a todos los estamentos de la sociedad. El procedimiento que siguió fue el de integrar en la comedia las distintas corrientes dramáticas que le precedieron y el sistema de valores colectivos por el que se regía la vida española en el siglo XVII. Lope de Vega expuso su teoría dramática en el Arte nuevo de hacer comedias, de 1609. En esa obra expone su teoría teatral y justifica su modo de entender el teatro y su ruptura de las normas clásicas.

  • Mezcla de lo trágico y lo cómico. El teatro grecolatino y el renacentista observan una rígida separación entre lo trágico y lo cómico; sin embargo, Lope aconseja se mezcle lo trágico —o simplemente lo serio— con lo cómico en proporciones variables, según la obra. Contando con el modelo de La Celestina, definida como tragicomedia, la razón última de esta combinación estriba en que Lope cree que el teatro es un espejo en el que se refleja de forma verosímil la existencia humana, a la vez trágica y cómica.

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  • Reducción a tres actos. Lope justifica la reducción a tres actos de los cinco en que se dividían las obras de teatro culto del siglo XVI. Recomienda que se estructure la materia dramática de esta forma: “En el acto primero ponga el caso, en el segundo enlace los sucesos de suerte que hasta medio del tercero apenas juzgue nadie en lo que pare.” Los actos se conocían con el nombre de jornadas. Los tres momentos característicos del desarrollo de la comedia (planteamiento, nudo y desenlace), se corresponden con cada una de las jornadas, que, a su vez, se organizaban en escenas. Los cambios de escena se indicaban mediante breves acotaciones.

Esta estructuración se mantiene a lo largo del Siglo de Oro: un estado de armonía, introducción del desorden por un elemento perturbador (amor, celos, injusticia…) y restablecimiento de la armonía inicial o establecimiento de un nuevo equilibrio.

Siguiendo un criterio muy esquemático, en lo que difieren las comedias no es tanto en su estructura interna como en sus desenlaces, básicamente resueltos con tres recursos: matrimonio (en las comedias palaciegas y las de capa y espada), muerte (dramas de honor) o intervención del rey, quien legitima la venganza (dramas político-sociales).

  • Personajes tipo. La sociedad estamental española del siglo XVII, jerarquizada, inmovilista y patriarcal, tiene su reflejo en los personajes del teatro, que aparecen caracterizados como tipos sociales; es decir, responden a un mismo esquema o patrón psicológico fijo, no evolutivo, aunque en algunos personajes se advierte una gradación psicológica y una gran complejidad. Del choque de intereses entre personajes y sociedad, y de la transgresión de las normas sociales y morales, surge el conflicto dramático en la comedia áurea. Los tipos genéricos que se repiten en las diversas obras son los siguientes:
    • El personaje del rey puede aparecer como rey viejo o como rey galán. El primero es prudente y encarna la justicia, legitimando la recuperación final de la honra. El segundo se muestra soberbio y arbitrario en el ejercicio del poder, desencadenando así un conflicto, aunque en última instancia se arrepiente de sus abusos. En cualquier caso, el rey es una figura inatacable en los escenarios.
    • El poderoso es un noble soberbio que se deja llevar por los excesos. Actúa como un agente perturbador del orden social y moral, lo que determina su culpabilidad ante el pueblo y el rey.
    • El caballero se identifica con el padre, el esposo, el hermano o el galán de la mujer ofendida o ultrajada; representa a un grupo social y defiende el orden de valores existente: vela por su honor y por el de su linaje. Es, con la dama y el gracioso, una figura imprescindible de la intriga dramática.
    • El galán o pretendiente resume la integridad moral, valentía y constancia en el amor.
    • La dama, joven soltera o esposa, reúne las cualidades de belleza interior y exterior, actúa por amor al galán o al esposo y en defensa del honor familiar, mostrándose si es preciso con iniciativa propia. El papel dramático de la mujer, no obstante, aparece subordinado al del hombre.
    • Sobre el tipo del gracioso o donaire, encarnado por el criado, recae la parte cómica del drama barroco. Se presenta como contrafigura del galán, al que sigue como si fuera su sombra, auxilia en los apuros e imita su aventura sentimental, enamorándose de la criada de la dama. El gracioso, personaje complejo, se caracteriza por su ingenio, el humor, el pragmatismo, el amor al dinero y al buen vivir, así como por la fidelidad a su señor, de quien es confidente y consejero. Similar al del gracioso es el papel de la criada con la dama.
    • El villano se identifica con el campesino rico de aldea, modelo de dignidad fundada en la limpieza de sangre; es el símbolo del honor y de la honra. En un momento de su vida, regida por la sencillez y por un arraigado sentido moral, él o alguien de su entorno sufre los abusos del poderoso contra el que debe rebelarse para restaurar el orden social y moral. El pueblo se reconoce en las virtudes del villano.
  • Estilo. Considera que el estilo debe ser diferente en los monólogos amorosos, cuando se habla de temas cotidianos o cuando se tratan temas elevados. Por otra parte, le parecen muy importantes la verosimilitud y el decoro poético.
  • Se escribe en verso. La comedia barroca española está escrita en verso. Utiliza metros de distinta medida (polimetría) tanto populares y tradicionales (octosílabo) como cultos (endecasílabo), formando diferentes combinaciones estróficas (redondillas, quintillas, octavas, décimas, sonetos, silvas y romances). Cada situación dramática requería un determinado tipo de verso y estrofa:

“Las décimas son buenas para quejas;
el soneto está bien en los que aguarda;
las relaciones piden los romances,
aunque en octavas lucen por extremo.
Son los tercetos para cosas graves,
y para las de amor las redondillas.”

La obra debía tener unos tres mil versos. Según él, el espectador no aguantaba más. La representación se realizaba por la tarde y solía durar unas tres horas, pues entre acto y acto había breves descansos en los que se representaban entremeses. Este empeño por ocupar todos los momentos, lo podríamos comprender por el horror vacui (horror al vacío) característico del Barroco.

  • Lugar, tiempo y acción. La comedia barroca española prescinde las unidades de lugar, tiempo y acción del teatro clasicista. La pluralidad de espacios, momentos y acciones constituye uno de sus rasgos más singulares. Las acciones paralelas o cruzadas de los personajes se desarrollan en distintos lugares, a los que hacen referencia los protagonistas en sus parlamentos, y pueden abarcar no ya periodos de tiempo breves, sino días, meses e incluso años; el tiempo se suele hacer avanzar con los cambios de jornada. La unidad de acción es la más respetada por Lope, aunque, en general, junto a la acción principal establece una acción secundaria que le sirve de contraste. Así ocurre, por ejemplo, en muchas de sus obras, que muestran una acción principal entre dama y caballero, y una secundaria entre criada y criado. La variedad de personajes, serios o desenfadados, proporcionaba contraste y animación a la representación.

Los temas de la Comedia Nueva

La honra

El tema de la honra es el más importante de todos. La preocupación por la honra no hace sino demostrar la estrecha relación entre la sociedad y el teatro del siglo XVII. Según dice el propio Lope en su Arte nuevo de hacer comedias:

“Los casos de la honra son los mejores
porque mueven con fuerza a toda gente.”

El honor es el sentimiento personal de la propia valía, de la dignidad, ligada estrechamente a la conciencia de pertenecer a la casta de los cristianos viejos; se puede por tanto, heredar. En esta época, uno de los más graves problemas era el de la limpieza de sangre. Antes del siglo XV, se mezclaban judíos y cristianos. El equilibrio se rompió con las persecuciones, la destrucción de sinagogas, las matanzas y expulsión de judíos en 1492. El horror a ser tomado por judío es una de las bases para que comience nuestro retroceso cultural, patente desde mediados del siglo XVI. Los judíos se caracterizaban por su dedicación a la cultura, a la ciencia, al comercio, al trabajo, de ahí que, en España, el trabajo fuera sospechoso desde el punto de vista de la honra. La única clase social exenta de sospecha era la de los labriegos, cristianos viejos, por ser incultos y carecer de riquezas.

La honra es la manifestación social o externa del honor, relacionada con la opinión ajena, de la que depende la buena o mala fama de una persona. Una ofensa, un ultraje, una palabra equívoca, un gesto ambiguo o una mera sospecha, pueden ser suficientes para arrebatar la honra y resquebrajar interiormente el sentimiento del honor. El obligado restablecimiento de la honra y el honor con la venganza puede acarrear el derramamiento de sangre e incluso la pérdida de la vida. La reparación del honor y de la honra es necesaria para que el ofendido vuelva a ser aceptado en sociedad.

La religión

Aparece en autos sacramentales y en comedias, algunas de las cuales dramatizan vidas de santos y otras recogen leyendas de origen medieval, también escribe dramas de inspiración bíblica.

La historia y las leyendas españolas

Muchas de ellas situadas en la Edad Media. Están basadas en asuntos que toma de las crónicas, leyendas, romances o canciones, como El caballero de Olmedo. Estas comedias incluyen los dramas del poder injusto, o sea, aquellos que plantean conflictos entre el pueblo y la nobleza por abuso de poder por parte de un noble. Cuando un noble ejerce injustamente el poder, el villano, impulsado por su conciencia y dignidad personal, acude al rey para que le castigue o corrobore la venganza. En los casos en los que el pueblo se enfrenta o se venga de un noble tirano, el rey acaba dando la razón al villano o a la colectividad que se ha sentido ofendida en su honor, como ocurre, por ejemplo, en Peribáñez y el comendador de Ocaña o en Fuenteovejuna. En ambas obras, la figura del rey queda fortalecida y es aclamada por el pueblo, porque representa la justicia frente al abuso feudal de algunos nobles. En ese sentido, la comedia Lope cumple la función social de apuntalar la monarquía absoluta frente al poder de algunos nobles indignos (no de la nobleza). En ningún caso se cuestiona la figura del monarca ya que, cuando es el rey quien representa el poder injusto y abusa de su poder, la ofensa queda sin venganza como ocurre, por ejemplo, en La estrella de Sevilla.

El amor

Junto con el honor, el amor es el otro móvil básico que anima a los personajes y que con más regularidad aparece en las comedias. Consecuencia inevitable del amor son los celos que se utilizan como recurso para provocar tensión y prolongar la complicación de la intriga. Amor, honor y celos son valores humanos tan preciados que justifican los mayores sacrificios, con riesgo incluso de la vida. Un ejemplo ilustrativo son los dramas de amor y muerte, como El caballero de Olmedo, donde los amores entre doña Inés y don Alonso terminan trágicamente por los celos de un enamorado de doña Inés.

También son muy destacables las comedias contemporáneas de amor y enredo, también llamadas de capa y espada. En ellas, el amor genera conflictos y es capaz de triunfar sobre todas las desigualdades. Son obras llenas de equívocos e intrigas que se sitúan en ambientes rurales o urbanos de la época, que giran en torno al tema amoroso, con alcahuetas, muchachas que se disfrazan de hombres, visitas inesperadas, encuentros fortuitos, fiestas o romerías. Suelen tener un tono desenfadado y un final feliz. Destacan El perro del hortelano, La dama boba, El acero de Madrid, Las bizarrías de Belisa, La moza del cántaro

LEER A LOPE DE VEGA

En la Biblioteca del centro disponemos de muchas de las obras de teatro de Lope de Vega. Pueden ser unas excelentes lecturas para este verano.

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ASISTIR A UNA REPRESENTACIÓN TEATRAL DE UNA OBRA DE LOPE

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Es lo ideal. A Lope hay que verlo en el teatro, así que no os perdáis ninguna ocasión de ver sus obras si se representan en algunos de los teatros de Zaragoza o si vais a alguna otra ciudad donde se representen. No lo lamentaréis.

Si no se puede asistir a una representación en directo, se puede ver alguna grabación. No es exactamente lo mismo, pero puede servirnos para hacer boca. En la Biblioteca del instituto tenemos las grabaciones de algunas de las obras de Lope que se hicieron en los años 70 en RTVE en un programa que se llamaba Estudio 1. Venid a verme y os las prestaré. Estos son los títulos:

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Peribáñez y el comendador de Ocaña

Están de fiesta en el pueblo de Ocaña, pues se casan Casilda y Peribáñez, dos jóvenes agricultores de humilde condición que están profundamente enamorados. El festejo se interrumpe cuando llega un labrador y les avisa de que el comendador ha sufrido un accidente: ha sido atropellado por un novillo y ha caído del caballo. Este accidente traerá fatales consecuencias, pues el poderoso señor, mientras es atendido por los recién casados, se enamora con locura de Casilda y decide que será suya a cualquier precio…

caratulas-2El mejor alcalde, el rey

Sancho pide la mano de Elvira a su padre Nuño, pero éste le exige la autorización de don Tello, señor de las tierras que trabajan, para que la boda pueda realizarse. Lo que en principio iba a ser una jornada de alegría se transforma en un drama cuando el señor feudal ve a Elvira, se enamora de ella y la rapta. A partir de auí, el honrado Sancho acudirá al rey para que remedie esta injusticia, pero don Tello hará caso omiso de las órdenes del monarca. Hasta que el propio rey acuda a la aldea la justicia no será restablecida…

Si preferís verlas en la página web de RTVE, A la carta, sólo tenéis que pinchar en las imágenes de las obras que os incluyo a continuación:

La hemos leído y comentado en clase, pero a lo mejor os apetece ver una representación de Peribáñez y el comendador de Ocaña. Pinchad en la foto.

Peribáñez y el comendador de Ocaña

El mejor alcalde, el rey . Pinchad en la foto:

El mejor alcalde, el rey

Una comedia de Lope, de la época en la que estuvo desterrado en Valencia, se llama La viuda valenciana. La obra es una divertida comedia ambientada en Valencia durante la mascarada celebrada con motivo de la boda de Felipe III en la ciudad. El espíritu festivo está presente en la obra junto a una inteligente intriga: Leonarda, la viuda valenciana, aún joven y bella, mantiene el propósito de decidir sobre su propio destino rechazando a sus numerosos pretendientes, pero no quiere ser más “condesa de puñoenrostro”. Urde una trama para conseguir una cita con Camilo, del que se ha enamorado, de modo que pueda satisfacer su deseo guardando las apariencias. Así, por medio de su criado Urbán, propone a Camilo acudir a una cita con la condición de ir al encuentro cubierto con un capirote y sin tratar de averiguar cuál es la identidad de la desconocida. Pinchad en la foto.

La viuda valenciana

Hace algún tiempo leímos en 1º de Bachillerato la comedia palatina La dama boba, que trata sobre el poder educativo del amor y, al revés, del poder de intelecto para alcanzar los intereses amorosos. Podéis acceder al material que preparé entonces en mi blog de 1º de Bachillerato. Pinchad aquí.

En 2006, Manuel Iborra hizo una adaptación cinematográfica de la obra. A pesar de cambios difícilmente explicables (la transformación del padre protagonista en madre, cuando en el teatro barroco no aparecen madres, por ejemplo), está bastante bien. Silvia Abascal está fantástica en su papel de dama boba. Aquí la podéis ver aprendiendo a leer:

Y también hace unos años leímos en 3º de ESO Fuenteovejuna de Lope de Vega. También entonces preparé un material para trabajar la obra, que podéis consultar aquí.

Hay una versión de 1947, dirigida por Antonio Román, protagonizada por Amparo Rivelles, Tony Leblanc. Puro cine franquista… interesante.

Podéis ver una versión (relativamente) más reciente de Fuenteovejuna, dirgida en 1972, por Juan Guerrero Zamora, con Nuria Torray y Manuel Dicenta:

La Fundación Siglo de Oro ha publicado en su canal de Youtube esta versión modernizada de El castigo sin venganza. Os resumo brevemente el argumento para que os animéis a darle al play. El castigo sin venganza narra la relación amorosa del conde Federico con Casandra, la joven esposa de su padre, el duque de Ferrara, y la respuesta de este cuando descubre el adulterio. El argumento está basado en un hecho real ocurrido en Italia.

 

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